展示会
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Aile的藝想世界｜Aile’s Artful l Imagination｜韓國藝術家 聯展
Neverland Gallery × Gallery Aile｜台北－首爾 聯合合作展｜Taipei–Seoul CollaborationGallery Aile 是一家位於韓國首爾中心的當代藝術畫廊，長期致力於推廣韓國新銳藝術家，並積極拓展國際合作。透過精緻的策展與多樣的展覽企劃，他們為韓國藝術家開啟了通往國際舞台的道路。此次合作將以韓國藝術家為主題，展覽主要呈現七位藝術家的不同作品，讓更多台灣藏家能近距離欣賞韓國年輕藝術家的創作能量。Neverland Gallery 作為一間致力於推廣當代藝術的畫廊，則期待透過這次合作，讓不同國家與城市的藝術作品彼此對話，也希望讓更多優秀的創作者被看見。Gallery Aile...
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映画—大人帝国の逆襲 | ピゴ・リン
ネバーランドギャラリーでは、本展にてピゴ・リンの2度目の個展を開催いたします。 、 「映画 大人帝国の逆襲」では作家10周年を記念し、新作シリーズを発表します。 この展覧会は、欲望、記憶、成長に焦点を当て、身体性と内なる感情の探求を続け、これまでとは異なる媒体や技術を実験することで、イメージに新たな視覚的エネルギーを与えています。この作品は、漫画の言語、身体イメージ、超現実的な象徴を融合し、ぼんやりとした光と影の下でゆっくりと展開する映画のように、イメージが曖昧さ、詩情、不安の間を流れるように表現されています。 沈む太陽のオレンジがかった金色の輝き、霧のかかった影、そしてフィルムのような質感は、色彩を感情の延長として、優しくも深いものにし、「大人になってから」しか理解できない複雑な感情を伝えています。 展示スペースには感情や記憶を宿す器として象徴的なベッドが置かれ、鑑賞者は現実と心理のレベルの間で視点を切り替え、「大人の帝国」の内なる光景を体験することができます。 芸術家は言葉では言い表せない考えや経験を比喩的な形式を使って描写し、感情の器としての身体を理解し、目に見えるようにしています。この展覧会は、来場者に、より穏やかな方法で自分たちの成長を振り返り、抑圧され、忘れ去られながらも完全に消えることのない感情や記憶と向き合い、鑑賞の過程で自分自身を再発見するよう促します。 これは視覚的な体験であるだけでなく、感情的な回帰でもあり、大人の世界は決して完全に静止したわけではなく、常に呼吸し、隙間の中で流れていることを私たちに思い出させます。
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IN THE PARK｜青木さくら 青木さくら
青木桜個展「IN THE PARK」開催！アーティストは動物や植物からインスピレーションを得て、自然界の穏やかながらも強靭な生命を描きます。色鮮やかな森を散策してみませんか。 ——————————————————アーティストのインスピレーションと創造的文脈動物たちの可愛くて美しい外見の裏に秘められた力を尊敬します。彼らは私たちを見ているようで、実は見ていない。彼らはとても近くにいるようで、手の届かないところにいる。私たちは決して忘れてはなりません。これらが私たちを生かしているのです。 @shirowani_p | @shirowani19
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ニュースキン｜グループ展
本展には、国際的な展示経験を持つ5カ国11名のアーティストが集まります。 「NEW SKIN」はアーティストの変容と創造を象徴するとともに、鑑賞者を未知の芸術の世界へと誘います。 参加アーティスト｜5カ国11名• HENDRAHEHE｜ヘンドラ・ヘヘ（インドネシア）｜ @hendrahehe • JINSEIZU / テレンス・クワン |テレンス・クワン (アメリカ)...
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DADYBREAK｜JJザモラノス
宇宙の夢を静かに展開し、無限と束の間の瞬間の間で呼吸し、夜明けごとに忘却の端に金色を散りばめます。 夜明けは、太陽が地平線に昇るだけでなく、宇宙がささやくことです。時間はまだ過ぎており、光はまだ世界の脆弱な皮膚に触れる勇気があります。 これは去りゆく星々のため息、大地の骨の中で静かに揺さぶられる可能性のざわめき。柔らかな朝の花の中で、私たちは生まれ変わる。もはや以前の自分ではなく、私たちがなり得る可能性を目の当たりにする者となるのだ。 JJの絵画シリーズにおいて、目は錨であり、見る者をありのままの、フィルターをかけられていない個人的な本質へと引き込む電子的な脈動です。グラフィティの美学に影響を受けた彼の作品は、混沌と精密さがぶつかり合うような作品であり、大胆な色のストライプ、不規則な線、そして重層的なテクスチャが、視線の感情的な重みを増幅させます。 目は単なる顔の特徴ではなく、表現、闘争、そして抵抗への入り口でもあります。グラフィティは、自らの存在を主張する媒体であり、切迫感があり、騒々しく、無視できないものです。 JJの作品にも同様のエネルギーが宿っている。彼は誇張されたコントラスト、ネオンライト、そして断片的な筆致を用いて伝統的なリアリズムを揺るがし、壁そのものから浮かび上がるような顔たちを描き出す。それらは観察し、問いかけ、そして見ることを要求している。いくつかの要素やディテールの不均一さは、不完全さではなく、むしろ動きの反響であり、物語が表面に浸透し、柔らかく写実的な肖像画の描写と衝突する。 JJは、自身のポートレートスタイルと様々なグラフィティの背景を融合させ、人間の最も原始的な側面を捉えることを目指しています。荒々しく、鋭く、あるいは疲れた瞳は、言葉では言い表せない感情を宿し、真実を語る者の瞳へと変化します。 混沌とした街で人々の顔がぼやけてしまう世界において、JJの作品は人々の記憶に残り、印象深いものにすることを目指しています。一瞬の視線が、新鮮な息吹を与えてくれます。
アーティスト
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ピゴ・リン
1984年生まれの台湾人アーティスト、ピゴ・リンは、伝統的な美学と衝突するエロティックアートの創作に注力しています。彼の作品は、エロティックアートの要素とシュルレアリスムの語彙を数多く取り入れ、色鮮やかで生き生きとしたコミックスタイルで表現されています。 「美しい体を鑑賞するのは楽しいです。」 アジア文化では、肉体的な欲望や美学は抑圧されたり、曖昧にされたり、恥ずべき形で議論されることが多い。 私の作品は、性的自立や解放を主張するものではありません。それは私の職業でもなければ、私が担える使命でもありません。私が紙に表現しているのは、ただ私自身の欲望と向き合うプロセスなのです。 セックスとエロティシズム – セックスは分析することも組み合わせることもできます。それは最も単純でありながら最も難しい行為です。 複雑な身体的、心理的側面を伴い、さまざまな課題や状況下で完了する必要があります。 セックスは単なる生物学的な本能ではなく、人権として認められて以来、超越的な存在にもなっている。 エロティシズムは能動的にも受動的にもなり得る感覚的言語であり、原始性と文明性の共存の産物です。 想像し、書き、さらに深く掘り下げ、離れて、再び浸ることを通して、私はまるで初めての至福を経験しているかのような気がしました。 むき出しの光と闇の下では、どんなに微細な感情さえも増幅される。善と悪、美と醜、純潔と恥、そして耐え難さ。私は自分だけの楽園を築き、そこで空想上の恋人と喜びを分かち合い、同時に自分自身も理解していた。私の本質は、荒れ狂う波と複雑な底流で構成されている。...
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青木さくら
青木さくら彼女は生物学と自然を愛するイラストレーターであり、現在は東京に住んでいます。彼女は主に動物、古生物学、植物などの自然界のテーマからインスピレーションを得て、アクリル絵の具を使用して「かわいい」と「リアル」の間に位置する独自のスタイルを生み出しています。 温かみのある質感のある透明アクリル絵の具を使用して、紙や木製パネルに独自のアート作品を作成し、想像力豊かで詩的な雰囲気を作り出します。彼女の創作哲学は「日常にちょっとしたワイルドさを取り入れること」です。忙しい日々の中で忘れかけている「野生の精神」を呼び覚ますことが目的です。自然の力強さと生命の温かさを改めて感じることができます。 ——————————————————学歴と経験 | 経歴1988年新潟県生まれ、現在は東京在住。 2011年横浜美術大学イラストレーション学科卒業。現在はフリーランスのイラストレーターとして活動しており、関東を中心に様々なイベントや展示会などで活躍中。 ————————————————⸻展示会体験 | 展示会2024–2025 ポップアップ展「Pirika」、蔦屋書店、北海道、函館2024年 合同展示会「CAT &...
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高橋仙子
高橋仙子は東京生まれ。HASHI STUDIOでグラフィックデザイナーとして活躍した後、絵画に転向しました。イラストレーション、アートディレクション、ビジュアルデザインといった分野横断的なバックグラウンドを基に、独自の表現言語を確立してきました。2007年以降は専業アーティストとして国内外で活動し、2021年以降は身体性、生命エネルギー、内なる知覚といったより深いテーマに焦点を移し、哲学的な深遠さと現代的な文脈を融合させた作品を制作しています。 プロフィール 東京生まれ。 多摩美術大学（日本画専攻）卒業。 卒業後は東京のHASHI STUDIO（写真・構成関連のデザイン会社）で4年間勤務。 1999年よりイラストレーター、グラフィッククリエイターとして活動を始める。 2007年よりアーティストとして創作活動を行い、展覧会を主な活動として展開。 2021年より、より一層集中した姿勢で創作活動に打ち込み、より本格的で継続的な芸術活動を行ってまいります。 アーティスト・ステートメント |...
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ヒ・リン・ヤン
韓国のアーティスト、ヒ・リン・ヤン (1975) 梁曦林は、時事問題、ファッション、スポーツなど若者に関する話題について、子供のような文体で自身の視点を表現することに長けています。 また、本作は、人生に迷いながらも夢を追い求め、成功への道を見つける「夢の旅人」たちを応援する、豊かな色彩とメッセージを、心地よいキャラクターデザインで作品に取り入れ、観客に人生と夢の追求についてより深い理解をもたらします。 2013年より大邱のトーマギャラリーで個展を開催し、その後2017年と2019年には大邱の東済美術館で個展を開催した。 彼は最近、ソウルのアロロギャラリーで展覧会を開催しました。また、韓国、フランス、香港、台湾など、世界各地のグループ展にも参加しています。 創作の背後にあるアイデア: 人生はしばしば私たちに厳しい試練を与えます。 時には谷を通り抜け、時には谷を越え、時にはただそこに立ち止まってさまようこともあります。 時々、人生は重すぎて立ち上がれないこともあります。 今いる場所から一歩踏み出す覚悟が必要です。 あらゆる困難があっても、最初の一歩を踏み出すことで勇気が湧いてきました。...
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オ・ギョンフン
OH KEIONG HOON｜吴椻薰（韓国） オ・ギョンフン（1986年韓国光州生まれ）は現在ソウル在住で、創作活動を続けています。桂園芸術大学でメディアアートを専攻し、卒業しました。彼の作品の核心は、東洋と西洋の文化が交差する感覚と美的体験の探求です。アクリル絵具の重ね塗り、レンダリング、希釈といった技法を用いて、伝統と現代、具象と抽象の狭間にある独自の視覚言語を構築しています。 彼の作品は、東洋美学における余白と柔らかな色彩を基盤とし、西洋神話や宗教画の象徴性、そしてアニメーションの流れるようなリズムを巧みに取り入れています。絵具の拡散と重なりによって生み出される透明感と厚みの層を通して、親密でありながらも異質な鑑賞体験を生み出し、東洋と西洋の文化間の緊張感を描き出すと同時に、挫折、夢、そして自己発見といったアーティスト自身の心境を反映しています。 彼の初期の作品は、不安や内なる葛藤に深く影響を受けており、思春期における自己同一性の迷いを露呈しています。人生経験の変化に伴い、彼は徐々に苦痛から希望へ、疑念から幸福と平和の追求へと移行していきました。この心理的変容は、彼の作品に温かく癒しの雰囲気を漂わせ、「幸福を選択する」という彼の創作信念を伝えています。彼が捉えているのは、儚くも深く心に響く感情です。 呉景勲の作品は、壮大な理論的枠組みに頼るのではなく、真摯で率直な感情表現から生まれています。彼は絵画を世界との対話の手段と捉え、絵画を通して鑑賞者の心に深い共鳴を呼び起こすことを願っています。それが小さな慰めであろうと、一瞬の勇気であろうと、こうした要素が彼の芸術言語の核心を形成しています。彼の人生と創作の旅は、絶え間ない対話であり、彼自身への絶え間ない挑戦であるように思われます。受動的な運命に抗いながらも、未知なるものを受け入れるのです。 流れるような色彩のキャンバスに描かれるにせよ、文化交流を体現するシンボルとして描かれるにせよ、呉景勲の芸術は最終的に、東洋と西洋の美学の狭間で自らの真正さと幸福感を見出すという核心へと回帰する。彼の作品は、個人的な感情の投影であるだけでなく、現代アジア美術の文脈における夢、苦悩、そして希望の重要な証でもある。 インスタグラム: @official_hoon_
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JINSEIZU テレンス・クワン
JINSEIZU / テレンス・クワン |テレンス・クワン（アメリカ） 本名テレンス・クワン、ジンセイズ（JINSEIZU）は、サンフランシスコのアジア系アメリカ人コミュニティで育ち、現在は国際的な現代アートシーンで活躍しています。彼の作品は「社会における女性の多様な役割」に焦点を当てており、特にアジア文化における女性の重要な地位を重視しています。彼にとって、女性は強さ、安定、そして知恵の象徴であり、常にインスピレーションの源となっています。幼少期からプロとしてのキャリアに至るまで、女性像は彼の回復力、モチベーション、そして野心への理解に深く影響を与え、作品における最も重要なテーマとなっています。 JINSEIZUの芸術言語は、日本の芸術とデザインから深く影響を受けています。サンフランシスコの多文化環境で育った彼は、浮世絵や現代コミックの視覚的特徴に触れ、力強い線と大胆な色彩のブロックで作品を構成しています。「線の規律」と「鮮やかな色彩」の緊張感は、東洋の「Less is more（少ないことは豊かである）」という哲学を受け継ぎながら、西洋の「自由な表現」という姿勢も取り入れているという、彼の複雑な文化的アイデンティティを反映しています。この二つの視覚文化の融合が、彼に独特の「明るくフラットでポップな美学」を生み出し、国際的な舞台で彼のシグネチャースタイルとなっています。 メディアの探求において、JINSEIZUは伝統とデジタルの両立を積極的に模索しています。彼の作品はデジタルアートと手描きのアクリル作品に及び、商業的なコラボレーションと個人の創作活動の間を常に行き来しています。デジタルメディアはブランド、ミュージシャン、デザインチームとのコラボレーションを可能にし、手描き作品は手作りの繊細な質感と触感を保ちます。この二つのメディアの並置は、単なる技術的な選択ではなく、彼の芸術的方法論の核となる重要な緊張関係でもあります。 こうした創作活動を通して、JINSEIZUの作品は「女性の力」を称揚しています。彼の絵画に登場する人物たちは、単なる肖像画ではなく、文化や日常生活の中で女性が体現する知恵、強さ、そしてインスピレーションを視覚的に表現した証です。彼は、鑑賞者が絵画に込められたこの深遠なエネルギーを感じ取り、作品を鑑賞しながら、そこに描かれる女性たちとの感情的な繋がりを築くことを願っています。 Instagram：@jinseizu
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ヘンドラ・ヘヘ
HENDRAHEHE｜ヘンドラヘヘ（インドネシア） **ヘンドラ・“ヒーヒー”・ハルソノ（1983年インドネシア生まれ）**は、絵画、彫刻、アートトイなど幅広い分野で活動する現代アーティストです。彼の芸術言語は「子供のような空想」と「現代文化への観察」を軸に展開し、人生経験、情報化社会の雰囲気、そしてポップカルチャーの象徴をキャンバスや立体作品に融合させ、ユーモラスでありながら批評的な視覚世界を構築しています。 ヒーヒーは、象徴的なシュールレアリストのキャラクターたち、つまり子供のような無邪気さを持ちながらもどこか奇妙なキャラクターたちでよく知られています。これらのキャラクターはしばしば様々な物体の形をとり、魂や人格を持ち、キャンバス上で静かな対話を繰り広げているかのようです。彼にとって、創作とは想像力の遊びであり、色彩の賛美です。空想的なキャラクターを通して、彼は個人的な経験や社会現象を再解釈し、ユーモラスでありながら深遠な方法で自身の観察を表現しています。 彼の作品は、ポップカルチャー、インディペンデントムーブメント、コミック、ローブローアート、ストリートカルチャー、ファッションなど多様な要素を融合し、グローバリゼーション、MTV時代、インターネット文化の影響を受けた80年代以降の世代が直面する多様な矛盾と豊かな視点を反映しています。 インドネシアの新進アートを代表するアーティスト、HeHeは2000年代初頭にジョグジャカルタのインドネシア芸術アカデミーでキャリアをスタートさせ、独自の創作表現を着実に確立してきました。また、「Ace House Collective」の創設メンバーの一人でもあります。2011年の設立以来、このグループはキュレーション、分野横断的なコラボレーション、そして公開討論を通して、若者文化と現代アートの交差点を探求し、アートとポップカルチャーの可能性を広げることに尽力しています。 国際展においては、アジア、アメリカ、ヨーロッパで精力的に活動しています。ロサンゼルス、ジャカルタ、クアラルンプール、シンガポールなど、数々の都市で個展を開催しており、2024年にロサンゼルスのThinkspaceで開催予定の「ONCE UPON A BLUE LIGHT」は、彼の国際的なキャリアにおける重要な節目となるでしょう。また、アムステルダムのStraat...
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MUKLAY Muchlis Fachri
ムクレイ |ムシュリス・ファクリ |ムーリス・ファリ（インドネシア） ムクリス・ファクリ（芸名ムクレイ）は、1993年インドネシア・ジャカルタ生まれ。現代視覚芸術とポップカルチャーの交差点で活躍するアーティストで、現在は同地に居住し、創作活動を行っている。 ムクレイはジャカルタ国立大学（UNJ）で美術教育を学びました。カリキュラムは教育と教授法に重点を置いていましたが、芸術マネジメントと対人コミュニケーションについて深い理解を身につけました。これらのスキルは、後の芸術家としてのキャリアと分野を超えたコラボレーションにおいて重要な役割を果たしました。彼の創作活動は高校時代に、カスタムメイドのスニーカーを作ったことから始まりました。創造性とビジネス感覚を融合させ、クラスメートのために個性的なスタイルを生み出すと同時に、将来のビジネスモデルの基盤を築きました。 創造的なスタイルと文化的文脈 ムクレイの作品は、大胆で鮮やかな色彩と、誇張されながらもどこかグロテスクなキャラクターデザインで知られています。彼の視覚言語は、日本のアニメーション、ストリートカルチャー、そして個人の成長の記憶を融合させ、親しみやすさと異質さを兼ね備えたスタイルを生み出しています。彼の作品は、若々しいエネルギーを表現すると同時に、都市社会における現代の若者が抱える不安、自己同一性、そして成長への課題を反映しています。 重要な展覧会と国際的な足跡 • 2016年、ジャカルタのArtotel Thamrinにて「See Something...
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カトン
KATUN（マレーシア） カトゥン（本名アブ・ハフィズ・ビン・アブ・ラフマン）はマレーシア出身で、現代を代表するグラフィティ／ビジュアルアーティストの一人です。独特のキャラクターデザインとストリートカルチャーをベースに、反抗心、ユーモア、そして遊び心を作品に注ぎ込み、独自のビジュアル言語を確立しています。彼の最も有名なシンボルである「俊敏で狡猾な猿のキャラクター」は、都会の反抗と自由の精神を象徴し、壁、キャンバス、イラスト、そして流行のおもちゃなど、彼の物語を紡ぐ核となるイメージとなっています。 グラフィティカルチャーをルーツとするカトゥンの作品は、ストリートの垣根を徐々に超え、ギャラリーシステム、ブランドとのコラボレーション、そして国際市場へと進出しています。彼は、グラフィティの語彙を様々なメディアを通して現代的な美学へと昇華させることに長けています。大規模な壁画、アートトイ、イラストレーション、音楽やファッションブランドとのコラボレーションなど、ポップカルチャーと芸術的な深みを融合させたクリエイティブなエネルギーを発揮しています。クリス・ブラウンやポスト・マローンといった国際的なミュージシャンのアルバムやシングルのカバーデザインを手掛け、デュア・リパをはじめ、ナイキ、ヴァンズ、ニューエラ、モンタナカラーズ、マテルなど数多くのブランドのビジュアルデザインも手掛けています。さらに、KFC、JBL、リップカールとのコラボレーションも実現し、日常生活にアートを融合させています。これらのコラボレーションは、彼の国際的な評価を高めるだけでなく、マレーシアの現代アートとストリートカルチャーを代表するアーティストとしての地位を確固たるものにしています。 カトゥンの視覚言語は緊張感に満ちており、漫画的な誇張表現、ローブロー・アートの遊び心、そして都会のグラフィティの即興的な自由さが融合しています。彼のキャラクターは、誇張された表情と奇抜なポーズをとっており、挑発的でありながらユーモラスで、都市生活、サブカルチャー、そして現代社会における問題に対する彼独自の観察を反映しています。これらのキャラクターは、ストリートスピリットを永続させるだけでなく、彼と鑑賞者の間の対話の架け橋としても機能し、いたずら好きな存在であると同時に、文化的シンボルの再構築でもあります。 カトゥンは、芸術と商業の分野横断的な活動に加え、国際展やストリートアートフェスティバルにも積極的に参加しています。インドネシア、韓国、フランス、クロアチア、ドバイ、アメリカ、イギリス、ドイツ、台湾、フィリピンなど、世界各国から招待を受け、グラフィティアートの展示や制作を行い、東南アジアのストリートアートのエネルギーを世界へと発信しています。2021年には、芸術文化への貢献が認められ、タトラー文化アイコン賞を受賞。2022年にはタトラーGEN.Tリストに選出されました。同年にはプレステージ・ルミナリー賞も受賞し、分野横断的な芸術とポップカルチャーを代表する重要な人物となりました。 カトゥンの芸術活動は、「ストリートスピリットの国際化」を体現しています。彼は地理的、そしてサブカルチャー的な境界を打ち破り、グラフィティをストリートからキャンバス、ブランド、そして世界のアートマーケットへと広げています。彼のキャラクターは遊び心、反抗心、そして創造性を象徴し、グローバリゼーションの波の中で自由とアイデンティティを追求する若い世代を象徴しています。カトゥンにとって、アートは境界を越える言語であり、個人の経験と普遍的な文化への想像力の両方を反映しています。
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JJ・ザモラノス
EXLD としても知られる JJ Zamoranos は、現在フィリピンのマニラに住んでいるビジュアルアーティストです。 彼はスケートボード、ポップカルチャー、音楽、ローブローアート、ソフトビニール玩具、日本の美学、DIY 精神からインスピレーションを得て、絵画、壁画、玩具デザイン、グラフィティを含む魅力的なポートフォリオを生み出しています。 2004年以降、雪だるま式に創作活動を展開し、アジア各地で油絵や壁画など数々の成果を収めてきました。2015年から2017年にかけて香港で開催されたHKWALLS、2017年にインドネシア・ジャカルタで開催されたStreet Dealin'、2019年に台北で開催されたGate Ready Vol. EXLDなど、数々のパブリックアートフェスティバルやグラフィティイベントにも参加しています。グラフィティの儚さや反骨精神を作品の原動力と方向性とし、グラフィティという媒体の性質や無常性を探求することで、伝統的な芸術形態に挑み、その視覚風景を垣間見せてくれます。...
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クイックス
クイックス（フィリピン） フィリピン人アーティスト兼デザイナー、フアニート・マイケスのペンネームであるクイックスは、デザイナートイの分野における先駆者の一人です。マニラで育った経験からインスピレーションを得て、ストリートグラフィティ、ビジュアルアート、ポップカルチャーを融合させ、独特のビジュアルスタイルを生み出しています。 彼の最も象徴的な創作表現は「TEQ63」として知られています。これは、日本のロボット文化（メカ要素など）、アメリカのヒップホップ精神、そしてフィリピンの文化的アイデンティティを強く融合させた美的スタイルです。ストリートウェアに身を包み、独特のディテールを特徴とするTEQ63のキャラクターは、クイックスの最も認知度の高いクリエイティブシンボルであり、世界中の限定版玩具コレクターが求める中心キャラクターとなっています。 クイックスの名声は、ブランド間のコラボレーションと密接に結びついています。最も有名なコラボレーションはアディダスとのコラボレーションです。10代の頃からアディダスの熱狂的なファンだった彼は、いつかブランドの注目を集めたいと願って、作品に意図的に「スリーストライプス」の要素を取り入れました。数年後、ついにアディダスとコラボレーションし、限定版のシューズ、アパレル、おもちゃを制作しました。これは彼のキャリアにおける大きな節目となりました。 また、2023年にはジョニーウォーカーとコラボレーションし、TEQ63 10周年記念限定シリーズ「TEQ63 10周年記念限定版」を発売しました。ブルーラベルの特別ボトルや限定玩具など、コレクターから高い評価を得ています。さらに、彼の創作活動は世界中に広がり、台湾、香港、シンガポール、中東、メキシコなど各地で展示会を開催しています。2025年には、メキシコのレスリング文化に敬意を表した「マッチョ」限定版アクションフィギュアを発売し、国際市場で大きな反響を呼びました。 ストリートグラフィティから始まり、徐々にデザイナートイの世界へと移行してきたクイックスは、「流行を追うのではなく、自身のスタイルを貫く」という信念を常に貫いてきました。TEQ63を自身の芸術的個性の延長として、ストリートスピリットとトイデザインをより高い芸術的レベルへと引き上げ、世界のトイアートとストリートカルチャーの融合における重要なシンボルとなっています。 現在、クイックスはクロスオーバーブランド「バーンウォーター・アート・エックス・デザイン」のクリエイティブディレクター兼CEOを務めるだけでなく、アートの限界に挑戦し続けるクリエイターでもあります。彼の作品はキャンバスを超越し、TEQ63を軸としたクロスメディアのビジュアルユニバースを構築し、その影響力は拡大を続け、新世代のクリエイターたちに、大胆な表現と革新を求めるインスピレーションを与えています。 インスタグラム: @quiccs
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KB
KB 1992年、フィリピン、マニラ首都圏 KBはかつて大学教授を務め、現在は構造エンジニアであり、独学でビジュアルアーティストとして活動しています。彼は、自己表現、哲学的考察、そして人間の経験を表現する多様な芸術的手法を探求し続け、日常生活の複雑な側面を捉えています。 展覧会体験（一部展覧会） 2025ベリーグッドギャラリー、フィリピン* 2025ビレッジアートギャラリー、フィリピン* 2025ギャラリー・ソート・オブ、フィリピン* 2025 MOCAF（マニラオープンコンテンポラリーアートフェア）、ベリーグッドギャラリー、フィリピン 2025オラサン、ベリーグッドギャラリー、フィリピン 2025アート・イン・ザ・パーク、ベリーグッド・ギャラリー、フィリピン 2025...
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奈良マリン
ナラ・マリン（フィリピン） ナラ・マリン（1990年生まれ）は、フィリピン出身の現代美術家です。物語絵画を専門に制作しています。フィリピン工科大学で美術と広告を専攻し、卒業しました。ナラの作品は、自身の経験と内なる信念に深く影響を受けており、油絵を主な画材として、キャンバスや木板に感情豊かな物語の情景を描き出しています。 彼女の芸術活動は「物語」を軸に展開し、言葉では表現できない感情を芸術で伝えることができると信じています。作品に登場する最も代表的なキャラクターは「ナネリ」と呼ばれる少女たちです。ベレー帽と制服を身に着け、悟り、共感、そして理解を象徴する彼女たちは、苦悩する魂に手を差し伸べる、支えと友情の力を表しています。ナネリという象徴を通して、彼女は友情、癒し、そして希望についての考察を具体化し、鑑賞者を深い感情の共鳴を呼び起こす世界へと誘います。 ナラは、家族や友人との鬱や感情的な困難に直面した自身の経験からインスピレーションを得ました。ナネリは、友人、家族、愛する人、あるいは支えてくれる人など、誰であっても、理解と共感を象徴しています。現実世界では、理想的なサポートネットワークを体現し、人々にメンタルヘルスとエモーショナルケアを大切にし、身体の健康と同じくらい重要な問題として捉えるよう促しています。 最近開催された展覧会「光が落ちる場所」では、「光」を中心的なイメージとして用い、ナネリの遊び、休息、そして仲間との交流を描き、精神的な癒しという彼女のビジョンをさらに広げています。人物と光と影の相互作用を通して、この作品は軽やかでありながらもしなやかなエネルギーを表現しています。もう一つの重要な作品「温かい雨」では、ナネリの体に残る傷跡や星型の痕跡が際立ち、人々が表に出そうとしない脆弱性や痛みを象徴しています。ナラはこれらの傷跡を隠すのではなく、むしろ回復力と再生の証と捉え、鑑賞者に自身の傷を見つめ、受け入れるよう促しています。
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ラキ
RAKI（フィリピン） RAKIはフィリピンのマニラ出身の現代アーティストで、独特の漫画キャラクターとポップカルチャーの美学で広く知られています。ストリートカルチャーと大衆娯楽に根ざした彼の作品は、コミック、アニメーション、トレンディなデザイン、そしてサブカルチャーの要素を融合させ、徐々に高い認識度を誇る視覚言語を確立してきました。彼の作品は、鮮やかな色彩の塊、広大な単色の背景、そしてシンプルながらも表現力豊かな線を特徴としており、無邪気さと落ち着きの間にある視覚的な緊張感を表現しています。 ラキが創造する人物たちは、単なる絵画の題材ではなく、社会経験や人間の感情を探求するための器でもあります。彼の人物像は、はにかんだ笑顔、穏やかな眼差し、あるいはどこか憂鬱な表情を浮かべることが多く、都市生活に内在する楽観と孤独といった複雑な感情を反映しています。「子供のような無邪気さ」と「現実」の狭間にあるこの雰囲気は、鑑賞者に彼の作品の中に、親密でありながらどこか遠く離れた感情の投影を見出すことを可能にします。 RAKIは、メディアの面では、アクリル絵具を用いた大規模なカラー作品の制作に長けており、強いコントラストと平面的な効果を巧みに表現することで、ポップアートやローブローアートの美的潮流を反映させています。また、ストリートグラフィティ、立体インスタレーション、そして分野横断的なコラボレーションにも取り組み、多様で実験的な芸術的方向性を示しています。彼の作品のトレンディな外観の裏には、アイデンティティ、文化の脈動、そして感情の状態に対する繊細な観察が息づいています。 2020年代以降、RAKIはマニラやアジアの主要な展覧会やアートフェアに積極的に参加しています。インディペンデントスペース、グループ展、ブランドとのコラボレーションなど、様々な場所で作品を発表し、瞬く間に観客の注目を集めています。展示経験を積み重ねる中で、コレクター、ギャラリー、そして国際的な観客との繋がりを徐々に深め、芸術的な影響力を拡大し続けています。 RAKIの作品は、新世代の「キャラクターの化身」という理解を反映していることは特筆に値します。彼の作品は単なる視覚イメージではなく、文化的なシンボルであり、世代の記憶や大衆の美学を担っています。漫画の純粋な想像力から、都市生活の冷徹な現実まで、すべてが巧みにキャンバスに融合されており、現代アート市場において彼を徐々に際立たせています。 RAKIにとって、アートは単なる美的表現ではなく、観客との対話の架け橋です。彼が生み出すキャラクターは、彼自身の心境の投影であると同時に、新世代の感情の縮図でもあります。彼はこれらのキャラクターを通して、観客を馴染み深くも奇妙な世界へと誘います。鮮やかな色彩と穏やかな眼差しが、自己と社会の関係性を再考させる世界です。 今日、ラキは独特のスタイルと文化的なエネルギーで知られる、アジアの新進アーティストの中でも特に注目を集めています。彼の作品は、ポップカルチャーのリズムを捉えるだけでなく、現代の若者の精神を表現し、分野を超えたコラボレーション、開放性、そして絶え間ない変革という芸術的姿勢を象徴しています。 インスタグラム: @raki.official.art
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ポリアンナ
ポリアンナ（フィリピン） ポリアンナ・ディー（芸名：ポリアンナ）は、フィリピン・マニラ出身の女性ビジュアルアーティスト兼イラストレーターです。フィリピン大学芸術学部でビジュアルコミュニケーションデザインを専攻し、伝統的なメディアとデジタルテクノロジーを融合させることに長けています。独自の物語スタイルと、深く感情を揺さぶるビジュアル表現を生み出しています。 ポリアンナの作品は、主に抽象的でシュールな人物肖像画を特徴としており、木炭、インク、ミクストメディアを用いて感情の複雑さを捉えています。さらにデジタル技術も取り入れ、より多様な質感と色彩の層を作品に生み出しています。彼女は創作プロセスを「ビジュアルダイアリー」と捉え、人生の断片、自己反省、そして内面の感情を織り交ぜ、自己受容と精神的な癒しの重要性を強調しています。 彼女は、脆さは弱さではなく、勇気と真実の象徴だと考えています。彼女の作品には、涙、歪んだ顔、煙といった象徴が頻繁に登場し、鑑賞者の感情を覆い隠し、内なる葛藤と感情の解放を表現しています。例えば、「Daydream」、「Headspace」、「Breathe」、「Rise」といったシリーズでは、孤独から癒しへ、苦闘から再生へと続く感情の旅を、層ごとに描き出しています。花、月、ダンサー、ひび割れといった象徴的なイメージは、彼女の作品の感情的な深みをさらに豊かにしています。 ポリアンナの作品は深く人間味にあふれ、繊細な視覚言語を用いて女性の強さと回復力に共鳴します。共感できる肖像画を通して、彼女は弱さの中にある強さを優しく語りかけ、鑑賞者に感情と向き合い、自らを癒す可能性を与えています。 インスタグラム: @polly.anna.ph
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ベンタブラック ジルチ
ヴァンタ・ブラックジッチ（フィリピン） フィリピンのマニラ出身のアーティスト、イアン・ジェームズ・アラニャは、VANTABLACKZILCHというペンネームで活動し、現代アートシーンで活躍しています。彼の創作活動は、エネルギッシュな都市壁画から始まり、街路や公共空間に独特の痕跡を残してきました。パンデミックの間、彼は徐々にストリートの語彙を内面化し、抽象表現主義とポップアートを融合させた独自のスタイルを確立しました。彼の作品は、視覚的にインパクトがあり、現代的なポップカルチャーの断片となっています。 建築のバックグラウンドを持つアーティスト（フィリピン工科大学建築学部卒）であるVANTABLACKZILCHの作品は、構造的な美学と空間感覚を体現しています。大胆な色彩の塊、重層的な筆致、そして象徴的なイメージをキャンバスに描き出すことで、独特でリズミカルな視覚言語を生み出しています。スケートボード文化、アニメの世界、そして音楽シーンからインスピレーションを得ており、彼の作品は都会的な雰囲気と夢のような詩情の間を行き来しています。 彼は絵画作品のみならず、デジタルアート、ストリート・グラフィティ、そして樹脂彫刻などの立体メディアにも積極的に挑戦し、学際的な実験精神を発揮しています。彼の作品はしばしばポップカルチャーの象徴を再解釈しながら、感情、記憶、そして人間の経験のより深い側面を探求しています。例えば、「What has Love become?（愛は一体どうなったのか？）」や「Why Can't First Day Last Forever?（最初の日は永遠に終わらないのか？）」といった作品は、感情の流れや世代間の混乱に対する彼の繊細な感覚を明らかにし、鑑賞者の心に響きます。...
作品リスト
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無形的連結｜Connect Unseen
販売元:羽 佳｜YUJA通常価格 $53,000.00 TWD通常価格 -
ツツァイティアン｜ジザイティアン
販売元:CASIMIR通常価格 $3,000.00 TWDから通常価格 -
扉の神々 | 門の女神
販売元:CASIMIR通常価格 $1,600.00 TWD通常価格
